Ihr Warenkorb ist leer
Foto : Florian Touzet
Seit jeher lebt Camille Longuépée im Rhythmus der Materialien und Farben. Zwischen familiärem
Erbe und persönlichen Erfahrungen hat sie ein Universum geschaffen, in dem Handarbeit zu einer
eigenständigen Sprache wird. Von ihren Anfängen in der Schneiderkunst über die Gründung ihrer
eigenen Kindermodemarke bis hin zu ihrer Entdeckungsreise durch das Zeichnen, die Malerei und die
Bildhauerei ist ihr Werdegang von einem ständigen Dialog mit Materialien geprägt, seien es
Rohstoffe, Textilien oder Naturmaterialien.
Heute wird in ihrem Atelier, das sie als einen mit ihren eigenen Händen geschaffenen „Kokon“
beschreibt, jede Oberfläche und jedes Objekt zu einem Spielfeld und einer Quelle der Inspiration.
Farben, Texturen, antike Objekte und recycelte Materialien verschmelzen zu Werken, in denen
Instinkt, Experimentierfreude und Respekt vor der Umwelt Hand in Hand gehen.
Wir haben uns mit Camille Longuépée getroffen, die uns zwischen Erinnerung, Handwerkskunst und
künstlerischen Visionen für die Zukunft Einblick in ihre Welt gewährt hat.
Kannst du uns erzählen, wie dein Werdegang und deine Erfahrungen dich zur Gestaltung
und Bearbeitung von Materialien geführt haben?
Ich bin in einer Familie aufgewachsen, in der Gegenstände einen besonderen Wert hatten, weil sie
eine Geschichte erzählen: Mein Großvater war ein begeisterter Kunstsammler, das Haus war voller
Bücher, Gemälde, Teppiche, Skulpturen, antiker Töpferwaren, tibetischer, persischer und
afrikanischer Objekte. Wir unternahmen Spaziergänge in den Weinbergen, um Feuersteine zu
sammeln, besichtigten Ruinen ... Mein anderer Großvater war Ingenieur und begeisterte sich für die
Holzbearbeitung. Er fertigte Möbel, Lampen und andere Gegenstände von Hand an.
Ich selbst hatte schon sehr früh das Bedürfnis, Dinge mit meinen eigenen Händen herzustellen. Ich
habe mit dem Nähen begonnen, zusammen mit meiner Mutter und meiner Großmutter, die ihre
Kleidung auf ihrer alten Singer-Nähmaschine nähte.
Mit 18 Jahren begann ich mein Studium an der Kunsthochschule Duperré in Paris im Fachbereich
Textil, anschließend studierte ich an der Hochschule für dekorative Künste in Paris.
Ich war zehn Jahre lang Kostümbildnerin in der Filmbranche. In der Zwischenzeit wurde ich Mutter
und begann parallel dazu, an Strickwaren-Kollektionen für Kinder zu arbeiten. Daraufhin gründete ich
meine Marke Le Petit Germain, deren Identität auf den Farben Senf, Indigo und Terrakotta basierte.
Damals waren diese Farbtöne in der Welt der Kinder ungewöhnlich.
Die Marke hat sich rasch weltweit etabliert. Da sie sich irgendwann nicht mehr alleine bewältigen ließ,
empfand ich das Bedürfnis, eine Pause einzulegen.
Durch Zufall hatte ich die Gelegenheit, für ein Jahr Bäckerin zu werden – eine Erfahrung, die mir sehr
gut gefallen hat. Parallel dazu begann ich, wieder zu zeichnen, zu malen und zu schreiben: Ich
verspürte das dringende Bedürfnis, mich wieder der Kreativität zu widmen.Ich habe in den letzten Jahren sehr intensive Erfahrungen gemacht, und diese Rückkehr zum kreativen Schaffen hat viel in mir wiederhergestellt. Auch heute noch kann ich auf dieses Gleichgewicht nicht verzichten.
Die Arbeit mit Rohmaterialien und Farben wirkt auf mich wie ein tiefer Atemzug, nachdem ich die Luft
angehalten habe. Die Arbeit mit den Händen gibt mir Energie und beruhigt mich zugleich.
Welche Gemeinsamkeiten siehst du mit der Welt von Sessùn?
Zunächst einmal die Farben, die stets sehr ausgefeilt sind, egal ob es sich um subtile oder leuchtende
Nuancen handelt. Dann die Materialien: Sie sind lebendig, haben eine besondere „Haptik“, sind
manchmal leicht und luftig, manchmal hingegen strukturiert und umhüllend, wie Stickereien oder
Jacquards. Und natürlich der entscheidende Platz, der dem Handwerk eingeräumt wird. Das sind
Werte, die ich zutiefst teile. Das handwerkliche und künstlerische Erbe zu bewahren ist insbesondere
in der heutigen Zeit von wesentlicher Bedeutung: Es besteht eine dringende Notwendigkeit, die
Handwerkskunst mit ihren Unvollkommenheiten voller Seele und Geschichte zu erhalten.
Dein Atelier beschreibst du als wahren Kokon, den du mit deinen eigenen Händen
geschaffen hast. Inwiefern beeinflusst dieser Raum deinen kreativen Prozess und deine
Beziehung zu deinen Werken?
Es fällt mir schwer, nicht in meine Umgebung einzugreifen: Ich habe das Bedürfnis, mir den Raum
anzueignen, ihn zu einem gemütlichen Ort zu machen, ihm Individualität und Menschlichkeit zu
verleihen. Ich gestalte nach und nach die Räume, die ich nutze. Das kann durch die Anfertigung einer
Lampe, eines Bettkopfteils, eines Flachreliefs aus Holzresten, einer Bank, eines Bücherregals, eines
Wandgemäldes oder sogar einer Tür erfolgen. In Wirklichkeit hält mich nichts auf: Alle Oberflächen
stellen für mich einen potenziellen Spielplatz dar.
Mein Atelier war eine ehemalige moderne Immobilienagentur mit Putzfassade, dunkelgrauen Fliesen
und einer roten Wand. Es war eine spannende Herausforderung für mich, alles neu zu gestalten und
den Grundstein für diesen neuen kreativen Raum zu legen: den Putz, die Fassade im alten Stil, die
Zierleisten, meine eigene Farbe, das Schild, die Farbe der Bodenfliesen, die Herstellung der Möbel ...
Ich habe Wochen damit verbracht.
Wenn ich in meinem Atelier bin, ist es für mich wichtig, mich mit meiner Welt zu umgeben und in all
ihre Facetten einzutauchen: Skulpturen, Gemälde, Zeichnungen, Gipsreliefs, Textilstickereien ... Da
ich mit vielen verschiedenen Medien arbeite, kann ich so eine Kohärenz aufrechterhalten und
Brücken zwischen den einzelnen Werken und Medien schlagen, die sich gegenseitig bereichern.
Was sind deine wichtigsten Inspirationsquellen und wie zeigen sich diese in deiner Arbeit?
Das Universum, in dem ich aufgewachsen bin, hat mich natürlich geprägt und ist heute mit meinen
eigenen Erfahrungen, meinem Alltag und meiner Sensibilität verknüpft. Ich finde Inspiration überall:
Sie kann von Ausstellungen stammen, die ich besuche, von der „Art Brut“, von mittelalterlichen,
modernen oder klassischen Gemälden, aus der Fotografie, der Architektur ... aber auch von einem
besonderen Licht, einem Geruch, einem Geräusch oder aus der Natur, deren Perfektion mich immer
wieder in ihren Bann zieht.
Farben sind meine wichtigste Quelle der Faszination: Wenn ich spazieren gehe, filtere ich häufig die
Farben, die ich wahrnehme, um die dominierende Farbe und dann die dezenteren Farbtöne
herauszusieben. Das erinnert mich an das Gelbe-Auto-Spiel, das wir als Kinder gespielt haben. Ich
bin ständig von Empfindungen und Emotionen erfüllt, die ich in meine Arbeit einfließen lasse, was ich
als meine „inneren Landschaften“ bezeichne. Sie sind Momentaufnahmen eines inneren Zustands.
Du misst dem Instinkt und dem Experimentieren große Bedeutung bei. Woran merkst du,
dass ein Werk wirklich „vollendet“ ist beziehungsweise das ausdrückt, was du beabsichtigt
hast?
Ich arbeite fast ausschließlich intuitiv: Nichts wird im Voraus geplant, ich folge dem Weg, den meine
Hände vorgeben, und lasse mich von ihnen leiten, sei es in der Malerei, in der Bildhauerei oder beim
Zeichnen.
Der Moment, in dem man ein Werk „vollendet“, ist sowohl heikel als auch reizvoll. Es ist schwer zu
erklären, aber man befindet sich in einer Art Dialog mit dem Werk: An einem bestimmten Punkt
entsteht eine Harmonie, die mich anspricht, meine Sinne beruhigt und mich dazu bringt, zu sagen: „In
Ordnung, ich werde nichts mehr verändern.“ Selbst die Mängel, die Stellen, die mir unvollendet
erschienen, erscheinen plötzlich perfekt, und alles fügt sich zusammen. Das ist wie beim Schreiben:
Manchmal reicht ein einfacher Punkt, um zum Schlusspunkt zu werden.
Wie integrierst du ökologische Belange und die verantwortungsbewusste Auswahl von
Materialien in deinen künstlerischen Ansatz?
Der Umweltschutz ist mir ein großes Anliegen, und dazu gehört vor allem, keine Verschwendung zu
betreiben. Ich bewahre alles auf und recycle alles: Ich verwende immer zuerst das, was mir zur
Verfügung steht, bis hin zum letzten Faden, den ich in Stickereien integriere, oder dem kleinsten
Holzrest, den ich für Flachreliefs verwende. Ich besitze sogar Wolle, die noch von meiner
Urgroßmutter stammt, die selbst alte Pullover aufgetrennt hat.
Meine Holzskulpturen, einschließlich der für Sessùn angefertigten Kerzenhalter, werden aus Holz
hergestellt, das ich im Wald sammle, bearbeite, drechsle und mit antiken Gegenständen kombiniere:
alte Pfeifen, Möbelstücke, die ich überarbeite, Lederreste, natürliche Elemente, die ich bei
Spaziergängen sammle, getrocknete Zitronen, Nüsse ...
Die Stoffe, die ich für meine Gemälde oder Stickereien verwende, stammen aus Secondhand-
Textilien, die häufig Mängel aufweisen. Dennoch bewahre ich jedes kleine Stück auf, um es für
Vorhänge, Bettüberwürfe oder Tischdecken wiederzuverwenden. Ich erwerbe nur das Nötigste an
Material, außer vielleicht Farbe ... und selbst da habe ich kürzlich Pigmente verwendet, die ich auf
dem Dachboden gefunden habe: Sie trugen noch ihre alten Etiketten und stammten aus den 1920er-
Jahren!
Wie sehen deine Zukunftspläne, deine Ambitionen und die Richtungen aus, die du in deiner
Kunst erkunden möchtest?
Im März bereite ich eine Ausstellung in der Galerie Wilo and Grove vor. Ich habe auch Projekte im
Bereich Innenarchitektur geplant, insbesondere für ein bedeutendes Tischgestell aus Holz, das
geschnitzt werden soll. Interventionen dieser Art, wie Reliefs oder Fresken, interessieren mich
besonders, da sie Kunst und Handwerk verbinden, sich in den Alltag einfügen und am Leben der
Menschen teilhaben. Das ist für mich auch eine Gelegenheit, neue Maßstäbe und wesentlich
imposantere Formate zu erkunden: Großformatig zu arbeiten ist ein Schritt, den ich gerne gehen
möchte.
Ich bin auch ständig auf der Suche nach neuen Materialien, die ich verarbeiten kann, Rohstoffe, die
direkt aus der Natur um mich herum stammen ... Vielleicht baue ich mir einen eigenen Keramikofen ...
Ich experimentiere einfach gerne.
