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Bildnachweis : Stéphanie Davilma
Livia Spinga, die sich nach ihrem Studium an der Kunsthochschule La Cambre in Brüssel in der Ardèche niedergelassen hat, hat in der Keramikkunst eine Praxis entwickelt, in der das Material die Spuren der Handschrift bewahrt. Inspiriert von den Landschaften, in denen sie lebt, und der Tradition der Töpferkunst, erforscht sie die Prinzipien des Zusammenfügens, der Verzierung und der Umgestaltung.
Anlässlich der Eröffnung der ersten Sessùn Boutique in Mailand hat sie einen monumentalen Keramikleuchter aus hängenden Kachelelementen entworfen und setzt damit ihre Auseinandersetzung mit Licht, Material sowie den Kontrasten zwischen Schwere und Leichtigkeit fort.
Wir haben uns mit ihr getroffen, um über ihren Werdegang, ihre Experimente mit lokalen Materialien und den Raum zu sprechen, den das Unvorhergesehene in ihrem Schaffensprozess einnimmt.
Du hast dein Studium an der Kunsthochschule La Cambre in Brüssel abgeschlossen, bevor du dich in der Ardèche niedergelassen hast. Kannst du uns etwas über deinen Werdegang erzählen und die Etappen, die deine heutige Arbeit geprägt haben?
Ich bin in der Pariser Region aufgewachsen und habe anschließend in Rom, Paris und Brüssel Angewandte Kunst und Bildhauerei studiert und mein Studium schließlich mit einem Masterstudiengang in Keramik an der Kunsthochschule La Cambre mit Schwerpunkt auf zeitgenössischer Kunst abgeschlossen. Nach meinem Abschluss habe ich mein Atelier in der Ardèche eingerichtet. Außerdem bin ich nun als Teilzeitdozentin für Design und Kunsthandwerk tätig. Ich habe die Werkstatt nie verlassen, doch diese Ausgewogenheit hat mir ermöglicht, meine Ausbildung und meine Forschungen fortzusetzen. Mein Umzug in die Ardèche hat meinen Blick auf die Keramikkunst erweitert. Dort habe ich durch Begegnungen, Orte und das Brennen mit Holz eine ganze Töpferkultur entdeckt. Der geologische Reichtum der Region hat mir zudem ermöglicht, einen neuen Umgang mit Materialien zu entwickeln. All diese Erfahrungen haben meine künstlerische Praxis bereichert und mich nach und nach dazu gebracht, dekorative und skulpturale Objekte zu schaffen.
Was sind deine Inspirationsquellen – sei es in der Kunst, im Kunsthandwerk oder in deinem Alltag in der Ardèche?
Meine Inspirationsquellen sind vielfältig, und ich stelle mir meine Kreationen gerne als Collagen vor. Ich fertige meine Keramikwerke an, indem ich die Ausdrucksformen der Töpferkunst mit Formen aus den dekorativen Künsten, der traditionellen Architektur und meinem täglichen Umfeld verbinde. Seit jeher betrachte ich Gegenstände als Rätsel, die es zu lösen gilt. In meiner Arbeit gebe ich gerne Hinweise auf die Herstellung der Werke. Ich liebe Formen, die sich miteinander verbinden und aneinander anpassen. Von der Perle über den Stein oder den Kiesel bis hin zum Ziegelstein reihen sich die Dinge seit Anbeginn der Zeit in unseren Landschaften, unserem Schmuck und unserer Architektur aneinander. Ich bin fasziniert von der Vielfalt ihrer Kombinationen sowie von ihren praktischen und dekorativen Eigenschaften. Die Formgebung und die sichtbar bleibenden Verbindungsstellen werden zum Dekor.
Du arbeitest mit Erde, Asche und Mineralien, die du in der Umgebung deines Ateliers gesammelt hast. Wie wählst du diese Materialien aus?
Meine Entscheidungen sind nach und nach gereift. Ich habe mich an die Dinge herangetastet und Verschiedenes ausprobiert. Ich hatte das Glück, mit der Geologin Maryse Aymes zusammenzuarbeiten und Keramiker kennenzulernen, denen diese Themen am Herzen lagen. Die Ardèche ist geologisch besonders vielschichtig, was mir Zugang zu zahlreichen Mineralien verschafft. Ich habe Zugang zu einem Behälterzerkleinerer in einem Fablab in der Ardèche, dem Polinno. Ich verfolge keinen systematischen oder expliziten Sammelansatz. Manchmal beziehe ich neues Material in meine Forschungen ein und untersuche, welche Kombinationen sich daraus ergeben können. Im Laufe der Zeit habe ich vor allem eine einfache Arbeitsweise entwickelt, die meinem Arbeitstempo und dem Arbeitsalltag in der Werkstatt entspricht.
Du stellst „das Zögern, den Fehler und das Loslassen“ in den Mittelpunkt deiner Arbeit. Was bringen dir diese Konzepte konkret in deinem Schaffensprozess?
Wie in jeder künstlerischen Praxis ist das Endergebnis das Resultat einer Reihe von Entscheidungen: zeigen oder verbergen, glätten oder so lassen, verdeutlichen oder die Spur einer Geste bewahren. Ich versuche, in dem, was ich zeige, ein gewisses Maß an Unsicherheit und Fehlerhaftigkeit zu bewahren, um so meine eigenen Automatismen zu durchbrechen. So vermeide ich, mich an eine vorgefasste Meinung zu klammern, die ich möglicherweise von meinem Gegenstand gehabt hätte. Ich lasse mich gerne ein wenig von meiner Arbeit überraschen, um bestimmten einschränkenden Vorstellungen zu entkommen, die man leicht verinnerlicht.
Die Marke Sessùn hat ihre erste Boutique in Italien eröffnet – in Mailand – für die du Keramikobjekte entworfen hast. Wie kam es zu dieser Zusammenarbeit und zum Austausch mit der Maison?
Ich wurde von den Teams von Sessùn angesprochen. Bei unserem ersten Gespräch ging es um Keramik, aber auch um den Wunsch der Marke, mir ein Projekt von bisher ungekanntem Umfang anzuvertrauen, das mir große Gestaltungs- und Fertigungsfreiheit bot. Anschließend wurde ich mit Cobalto Studio in Kontakt gebracht, das für das Design und die künstlerische Leitung des Projekts zuständig war. Ihr erster Vorschlag für den Leuchter und die Türgriffe im Eingangsbereich passte genau zu meiner Arbeit. Ich entwarf daraufhin mehrere Skizzen, und schon sehr bald nahm das Projekt Gestalt an. Über einige Wochen hinweg habe ich gemeinsam mit den Architekten alle technischen Aspekte geprüft. Außerdem habe ich die Umsetzung der Konstruktion gemeinsam mit dem Atelier Feuz koordiniert, einem Kunstschmied, mit dem ich bereits zusammengearbeitet hatte und der diese Aufgabe mit Sorgfalt und Feingefühl ausgeführt hat. Anschließend habe ich die Installation in Mailand mit Hilfe der Handwerker vor Ort durchgeführt – ein für mich noch neuer Schritt, der letztendlich sehr gut verlief. Dieses Projekt hat mir sehr gut gefallen, insbesondere aufgrund der Qualität des Austauschs und des Vertrauens, das mir meine reaktionsschnellen und anspruchsvollen Ansprechpartner entgegengebracht haben.
Wie bist du bei der Gestaltung des Keramikleuchters vorgegangen? Was war deine Absicht in Bezug auf Licht, Farben und Material?
Alles begann mit einem Vorschlag von Sessùn und Cobalto Studio. Man wollte meine Arbeit an Leuchten aus Keramikmodulen in größerem Maßstab fortsetzen. Cobalto Studio hat mir ein Angebot unterbreitet, das mir gefallen hat. Von da an arbeitete ich zunächst mehrere Wochen lang an Entwürfen und Planungen und anschließend in der Werkstatt. Für die Gesamtform des Leuchters diente ein traditionelles Objekt als Ausgangspunkt: Durch die beiden Reihen aus Keramikelementen mit demselben Umfang und die vier vertikalen Befestigungspunkte wird der Kronleuchter zu einem wahren Lichtschacht. Ich arbeite schon seit meinem Studium mit dieser Art Kachelelement. Die Form entspringt übrigens einer Kindheitserinnerung: einem Boden aus überlappenden Ziegelsteinen an einem Ort, an dem ich gewohnt habe. Ich schlenderte über diesen Boden und spielte mit den Linien. Davon sind mir Eindrücke und Empfindungen in Erinnerung geblieben, die ich in meiner Arbeit neu interpretiert habe. Meine Arbeit zeichnet sich durch die Verwendung von Schamotteton aus, der in dicken Schichten verarbeitet wird. Ich schätze es, wenn meine schweren, rohen Objekte an Wert gewinnen, insbesondere durch eine Emaillearbeit, die auf natürliche Farbnuancen abgestimmt ist, sowie durch die Gestaltung von Texturen und Spuren. Für eine edle Note sorgen die Schrauben, die vom Atelier Feuz einzeln geschmiedet wurden. Zudem steht bei diesem Projekt die Schwere im Widerspruch zur optischen Leichtigkeit der hängenden Keramikelemente.
